Ка́мерная му́зыка (от итал. camera — комната, палата) — музыка,
исполняемая небольшим коллективом музыкантов—инструменталистов и/или вокалистов.
При исполнении камерного сочинения каждую партию исполняет
как правило только один инструмент (голос), в отличие от оркестровой
музыки, где существуют группы инструментов, играющих в унисон.
В XVI-XVII веках термин "камерная музыка" (итал. musica da camera) применялся по отношению к любой светской
музыке и противопоставлялся музыке церковной (итал. musica da chiesa).
В дальнейшем, с зарождением и развитием симфонической музыки,
камерной музыкой стали называть произведения, рассчитанные на
небольшое количество исполнителей и для малой группы слушателей.
Коллектив, исполняющий камерную музыку, называется камерным
ансамблем.
Как правило, в камерный ансамбль входят от двух до десяти музыкантов. Исторически сложились канонические инструментальные составы некоторых камерных ансамблей, например, фортепианное трио, струнный квартет, фортепианный квинтет и др.
Существует также понятие камерного оркестра — как правило, это сокращённый (не более 15-20 человек) состав струнного оркестра, иногда с добавлением нескольких духовых инструментов.
История камерной музыки берет свое начало в Средних веках. В XVI веке музыка стала выходить за пределы церковных храмов. Некоторые авторы начали писать произведения, которые исполнялись вне церковных стен для небольшого круга ценителей. Надо отметить, что сначала это были только вокальные партии, а камерно-инструментальная музыка появилась намного позже. (см. средневековый город)
Разнообразны камерные вокальные и инструментальные миниатюры композиторов-романтиков XIX века. К ним относятся песни Ф.Шуберта, каприсы Н. Паганини, вальсы, ноктюрны, прелюдии, баллады Ф.Шопена, романсы М.Глинки, пьесы П.Чайковского и многое другое.
С конца 18 в. и особенно в 19 в. видное место в музыкальном искусстве заняла вокальная камерная музыка (в жанрах песни и романса). Исключительное внимание ей уделяли композиторы-романтики, которых особенно привлекал лирический мир чувств человека. Они создали отточенный, разработанный в тончайших деталях жанр вокальной миниатюры, а также вокально-песенные циклы, объединённые одной идеей ("Прекрасная мельничиха" и "Зимний путь" Ф. Шуберта, "Любовь и жизнь женщины" Р. Шумана и др.).
Послушаем некоторые примеры:
Ф.Шуберт "Аве Мария"
Ф.Шуберт "Форель"
Ф.Шуберт цикл "Прекрасная мельничиха"
Сюжет «Прекрасной мельничихи»
Молодой мельник-подмастерье скитается по свету в поисках любви без памяти. Кто ищет, тот всегда найдет. Устроившись на мельницу, он влюбляется в дочь хозяина ветряка. Жаль, что столь искреннее и первое чувство не нашло отклика в сердце красавицы. Ей милее смелый и отважный охотник. Это отравляет сердце юноши, он отправляется в путь. Единственным другом становится ручей. Его светлые воды станут утешением романтического героя. Жизнь не кончилась, но сердце уже никогда не станет прежним.
№1 "В путь"
- №1. «В путь» представляет собой экспозицию ручья. Главный герой находится на природе с ощущением полной гармонии с этим миром. Музыкальные приемы максимально просты и передают народную песенность. Характер бодрый и энергичный полностью отражает настроение главного героя.
№2 "Куда"
- №2. «Куда?». Песня повествует о том, что мельник поддался зову ручья, он идет вслед за ним. Сочинение пронизано народными интонациями. Аккомпанемент подражает движению ручейка. Юная наивность, незатейливая мелодия, кажется, что вся жизнь готовит только радость, счастье и любовь. Герой даже не подозревает, какой бывает жесткой реальность.
№20 "Колыбельная ручья"
- №19 «Мельник и ручей» представляет собой своеобразный диалог ручья и мельника. При этом партия лирического героя полностью пронизана меланхолическими интонациями. Партия ручья написана в мажоре, она пронизана светом и надеждой на лучшее будущее и имеет волнообразную фигурацию.
№20. «Колыбельная ручья» - это завершающий номер, пронизанный меланхоличным настроением, то мажорной тональности. Герой смирился с ситуацией, он принял несправедливость жизни по отношению к себе. Но вопреки всему он продолжает жить, об этом говорит мажорное завершение произведения. Он больше не будет так наивно прост.
Композитор сумел передать в вокальном цикле «Прекрасная мельничиха» маленькую историю о том, как простой мельник способен на по-настоящему искренние чувства, на высокую любовь. Но он остался один на один с собственной не разделенной любовью. К счастью, природа помогла ему забыть горе и продолжать идти своей дорогой.
Во 2-й половине 19 в. много внимания вокальной камерной музыке уделял Иоганнес Брамс (венгерский композитор). На рубеже 19-20 веков появились композиторы, в творчестве которых камерные вокальные жанры заняли ведущее положение (X. Вольф в Австрии, А. Дюпарк во Франции).
Широкое развитие жанры песни и романса получили в России (с 18 века); исключительно художественных высот достигли в камерных вокальных сочинениях М. И. Глинка, А. С. Даргомыжский, П. И. Чайковский, А. П. Бородин, М. П. Мусоргский, Н. А. Римский-Корсаков, С. В. Рахманинов.
Многочисленные романсы и камерные вокальные циклы создали советские композиторы (А. Н. Александров, Ю. В. Кочуров, Ю. А. Шапорин, В. Н. Салманов, Г. В. Свиридов и др.). В течение 20 века сложился отвечающий природе жанра камерный вокальной исполнительский стиль, основанный на декламационности и выявлении тончайших интонационно-смысловых деталей музыки.
Одна из важных примет вокального цикла — это, прежде всего, приоритет поэтического начала над музыкальным, сознательное подчинение композитором своей музыки поэтическому слову или, точнее, выдвижение на первый план содержания, смысла стихов, их интонации, ритмического строя.
Параллельно с циклами-монографиями на стихи одного поэта создаются циклы или сборники, состоящие из романсов, песен, «стихотворений» на стихи нескольких поэтов, объединенных одной темой или идеей: Родина, Природа, Любовь, Творчество и т. д.
ИНСТРУМЕНТАЛЬНАЯ камерная музыка
В сфере инструментальной камерной музыки фортепианная музыка выделяется в особый жанр, учитывая многообразие форм концертного музицирования.
Этюд – этот термин у композиторов и музыковедов связан с понятием "упражнение". На этюдах тренируют определённый технический навык.
Но довольно часто встречаются этюды, которые предназначены не только для выработки высокого виртуозного уровня исполнительства, но имеют художественную выразительность, гармонически и мелодически яркие и запоминающиеся - в подобных этюдах обнаруживается конкретный образ. Как, например, в этюдах Фредерика Шопена.
Начало XIX века для истории Польши связано с весьма тяжелыми событиями. Польские патриоты готовили восстание против царизма, что усилило жестокость со стороны власти. В сентябре 1831 года, когда композитор находился на гастролях в немецком Штутгарте, восстание в Польше было подавлено, а Варшава была сдана. Эти новости стали настоящим потрясением для Шопена, который верил в победу соотечественников.
Боль, переживания и отчаяние выливаются в творчестве.Так появляется знаменитый Этюд №12 "Революционный"
Ференц Лист, подобно Шопену, большое внимание уделял этюдам, углубив, их художественно-образное содержание.
Ференц Лист. Этюд "Метель"
Один из циклов этюдов связан с увлечением Листа исполнительством Паганини. Как и многие другие композиторы (Шуман, Брамс, позже Рахманинов), он задумал передать на фортепиано совершенную технику итальянского скрипача, не копируя скрипичных приемов, но воссоздавая их в соответствии со спецификой своего инструмента. Этому посвящены «Большие этюды по Паганини» (окончательная редакция— 1851), среди которых наибольшую популярность завоевали №3 («Кампанелла» gis-moll) и № 6 (a-moll); обе пьесы написаны в вариационной форме.
Ференц Лист. Этюд по Капрису №24 Н.Паганини
Ноктю́рн (от фр. nocturne — «ночной») — распространившееся с начала XIX века название пьес (обычно инструментальных, реже — вокальных) лирического, мечтательного характера.
В основе ноктюрна лежит обычно широкоразвитая певучая мелодия, благодаря чему ноктюрн представляет собой своеобразную инструментальную песню. Обычно ноктюрны пишутся для фортепиано, но встречаются также подобные сочинения для других инструментов, а также для ансамблей и для оркестров.
Особого расцвета жанр фортепианного ноктюрна достиг в творчестве Фредерика Шопена. Он написал 21 такую пьесу.
Фридерик Шопен Ноктюрн №2
Ещё одно исполнение Ноктюрна №2
Рапсодия – это своего рода фантазия, написанная в свободной форме. В основе её музыкального тематизма всегда лежит народная музыка. Иногда это стилизация, иногда – прямое цитирование. Так же точно, как в выступлении народного певца, здесь чередуются контрастные эпизоды, отличающиеся друг от друга по характеру, темпу, динамике.
Рапсодия - это продолжение древней традиции.
Когда-то давным-давно, ещё в Древней Греции, существовали народные певцы-сказители, которые назывались рапсодами. Таким образом, буквальное значение слова «рапсодия» - песнь народного певца-сказителя. У каждого народа в определённую историческую эпоху существовали такие артисты, только назывались они по-разному: кобзари, гусляры, дзяды, акыны, ашуги…
Прошло время, и их сменили профессиональные музыканты. Однако в XIX веке наступила эпоха романтизма, и академическая музыка романтиков создала новый жанр со старым названием. Рапсодия – это уже не обязательно вокальное, но часто инструментальное произведение. Сочинялось оно в свободном, эпическом стиле. Наличие импровизационности как отголоска традиции древних сказителей стало отличительной особенностью жанра.
Родоначальником инструментальной рапсодии по общему признанию считается знаменитый венгерский композитор-романтик XIX века Ференц Лист. Всего им создано 19 венгерских рапсодий и одна испанская. В них композитор использовал народные темы, заимствованные у венгерских цыган, есть также и испанские мелодии. Эти произведения написаны для фортепиано и ставят перед исполнителем очень сложные задачи, прежде всего, технического порядка. Любая листовская рапсодия – это блестящая, виртуозная концертная пьеса, как правило, значительных размеров. Все они насыщены ярким, красочным мелодизмом, легки для восприятия и потому необычайно популярны.
Ференц Лист. Венгерская Рапсодия №2
Известный современный китайский пианист Ланг Ланг рассказывает, что решение стать музыкантом он принял в раннем детстве, услышав 2-ю рапсодию Листа в мультфильме «Том и Джерри».
В 20 веке появилась и приобрела мировую известность "Рапсодия в стиле блюз" американского композитора Джоржа Гершвина. Это своего рода концерт для фортепиано оркестром, сочетающий в себе черты классической и джазовой музыки (симфо-джаз). Послушайте это произведение в исполнении дрезденского симфонического оркестра и пианиста Ланг Ланга.
У многих композиторов встречаются циклы Прелюдий. О прелюдиях Фридерика Шопена и Сергея Рахманинова читайте, перейдя по ссылке. Далее, продолжив работу на Stepik, выполните предложенные задания.
Сюиты, инструментальные концерты, сонаты, симфонии относятся к циклическим формам музыки. К этим формам обращались как композиторы прошлого, так и наши современники.
Жанр сюиты существует с XVI века. Она состоит из нескольких самостоятельных частей, контрастирующих между собой и объединённых общим художественным замыслом.
Музыка отечественного композитора А.Шнитке – это исповедь человека нового времени, вобравшего в себя опыт нескольких столетий – от XVIII до XXII в. Свободное совмещение прошлого и настоящего – особенность его музыки.
«Сюита в старинном стиле» А.Шнитке является примером «путешествия во времени». Эта музыка как будто переносит слушателя в 16-17 века и даёт представление о танцевальных ассамблеях того времени.
Слушаем "ПАСТОРАЛЬ" из «Сюиты в старинном стиле»